lunes, 30 de noviembre de 2009

FINAL.

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The devil and Daniel Johnston

Daniel Johnston es todo un enigma y un mito viviente de la leyenda folk. The Devil and Daniel Johnston descubre a la persona: compositor, músico, intérprete, pintor, dibujante, maníaco depresivo, visionario, y artista.

Feuerzeig quedó atrapado por la leyenda de Daniel Johnston a finales de los 80 y estuvo más de diez años recopilando material de sus actuaciones así como toda la información que aparecía en la prensa sobre su persona. Feuerzeig declaró "en 1988 los comentarios se extendían rápidamente sobre este chico de West Virginia que escribió cientos de canciones de amor no correspondido sobre una chica llamada Laurie que se casó con un funerario, y que grababa todos sus álbums en una grabadora en el sótano de su casa. La primera vez que escuché esas canciones y me enfrenté a sus emociones desnudas, me sentí muy conmovido y desde entonces esa sensación no me ha abandonado".

La teoría de Feuerzeig contemplaba a Daniel como un genio que estaba escondido tras una cortina y que todavía no había sido descubierto. Su teoría se hizo realidad cuando en 1990 Daniel apareció en la 91.1 FM WFMU. Esa intervención ahora está considerada como una retransmisión legendaria que rivaliza con la mítica Guerra de los Mundos de Orson Welles.

"Daniel había preparado un especial radiofónico de una hora de duración para los oyentes de la New York / New Jersey WFMU que retransmitió por teléfono desde el Hospital Psiquiátrico de West Virginia. En este especial se daban cita todas las obsesiones de Daniel: interpretaba numerosas parodias en las que hacía gala de un sentido del humor muy mordaz y ponía voz a numerosos personajes, se auto entrevistaba de un modo muy divertido empleando distintas voces. Las parodias giraban en torno a su obsesión con la fama, promocionaba su nuevo "album de gospel" llamado 1990, cantó en directo a través del teléfono y atendía llamadas de los oyentes". Uno de los oyentes que llamó fue Jeff Feuerzeig, "le pregunté si su tema Funeral Home era del album Cadillac Ranch de Bruce Springsteen y lo reconoció. Incluso en mi primer "encuentro" con Daniel, hace más de quince años, fui capaz de descifrar su arte. Esta retransmisión se convirtió en mi llave para llegar a Daniel Johnstony en el detonante para hacer esta película".

Feuerzeig dijo "creía que si a través de la imagen y del sonido conseguía hacer una película tan innovadora como el especial radiofónico de Daniel - uniendo en el montaje todas sus manías y obsesiones, su historia personal, y mostrara la belleza e inocencia de su arte y de su música- lograría un fiel reflejo tanto de Daniel como de mí mismo".

La primera vez que Daniel Johnston aparece en directo en su vida, al margen de sus numerosas apariciones a mediados de los 80 en Austin (Texas), es en el año 2000, en una fábrica que está en venta en Nueva York. Feuerzeig recuerda "Danielllegó como un Mesías. Interpretó un montón de nuevos temas y no había quien lo parara. Tenía a todo el público enfervorecido, riendo y llorando. Tenían ante sus ojos a un hombre frágil, trágico, hinchado que parecía haber vivido ya mil años y de algún modo milagroso hubiera regresado para contarnos su secreto. Su voz era inequívoca".

Después de que Feuerzeig se hubiera puesto de acuerdo con el productor Henry S. Rosenthal para desarrollar este proyecto de alto riesgo, el primer paso era contactar con Daniel Johnston. Feuerzeig aprovechó que Daniel actuaba en Austin y Jeff Tartakov, el antiguo manager de Daniel, accedió a presentarles. En ese primer encuentro Feuerzeig le comentó a Daniel su deseo de hacer un largometraje documental sobre su vida. Daniel aceptó rápidamente al descubrir que Jeff era el director deHalf Japanese: The Band That Would Be King, una película sobre Jad Fair, un antiguo amigo y colaborador suyo.

Feuerzeig siempre tuvo un interés especial en el monólogo interno en el cine, al pensar que así aumentaba el nivel de intimidad alcanzado, lo que permitía al público acercarse más a la verdad. Los mejores ejemplos de esta técnica se refleja enBadlands, La Naranja mecánica, Zelig y Taxi Driver, donde el espectador se siente como si estuviera dentro de la cabeza de los personajes y le estuvieran hablando directamente sin ningún filtro.

"Como realizador, he estado buscando un proyecto en el que poder utilizar el monólogo interno de manera innovadora. Esto se hizo posible cuando descubrí cientos de horas de grabaciones que Daniel había grabado a lo largo de su vida" señalaFeuerzeig. "Tenía a mi disposición infinidad de peleas con su madre, conversaciones en los pasillos del instituto, grabaciones furtivas de su romance frustrado en la universidad, conversaciones telefónicas secretas, y lo más importante de todo, una especie de audio-diario que Daniel fue creando a lo largo de los años. Con todos los momentos importantes de la vida deDaniel y todas sus emociones disponibles, estaba en disposición de realizar algo personal y profundo que mostrara la grandeza de Daniel".

El rodaje

Desde el primer momento, se buscó el mayor grado de sensibilidad y delicadeza. Feuerzeig y su equipo empezaron a rodar en Mayo de 2001 en la casa de Daniel Johnston en Waller (Texas). Estuvieron 3 semanas grabando amplias entrevistas conDaniel y sus padres, Mabel y Bill Johnston. Grabaron a Daniel en su garaje/estudio, en su habitación, en el patio trasero de su casa, en la iglesia, en la ciudad y tocando con su grupo, "The Nightmares". Durante estas tres semanas se consiguieron imágenes y declaraciones increíbles de su familia, llegaron hasta donde nunca antes nadie había llegado. Esta grabación se convirtió en la piedra angular de todo el proyecto. En Julio de 2001, volvieron a grabar aDaniel en Los Angeles durante 2 eventos importantes que reunieron a rostros conocidos de Hollywood como Matt Groening y Wild Man Fischer. En Diciembre de 2001, el equipo de rodaje se trasladó a Nueva York para grabar lugares como Bellevue Hospital, la Estatua de la libertad, CBGB´s, The Bowery Ballroom, Sunshine Hotel y Port Authority como telón de fondo para recrear el famoso viaje que hizo Daniel y que le tuvo viviendo dos semanas en el Bowery.

En Octubre de 2002, el rodaje se movió a Austin para grabar numerosas entrevistas con gente que, de un modo u otro, desempeñaba un papel importante en la vida de Daniel. Los periodistas musicales Ken Lieck y Louis Black, el editor del Austin Chronicle estaban entre los entrevistados. Realizaron amplias entrevistas al que ha sido el mejor amigo de Daniel,David Thornberry, y a su mujer, Kathy McCarty. Grabaron al músico y productor Brian Beattie en su estudio y rescataron algunas imágenes de sus míticas sesiones con Daniel. La última secuencia de los 3 días del rodaje es una entrevista conButthole Surfer Gibby Haines mientras el dentista le empasta 4 muelas. Gibby recuerda la noche del 11 de Septiembre de 1986 cuando Daniel totalmente fuera de control, después de haber ingerido una gran cantidad de ácido, asistió a un concierto de Butthole Surfer y tuvo que ser hospitalizado. Esta sería la primera de las numerosas hospitalizaciones que sufriría Daniel y probablemente la entrevista más bizarra que jamás se haya grabado.

El rodaje se trasladó de Austin a West Virginia y Pennsylvania, para terminar regresando a Austin y entrevistar al primer manager de Daniel, Jeff Tartakov, posiblemente el personaje más importante en la saga de Daniel Johnston. Recopilaron material de archivo de todas partes del mundo, entre el que se encontraba una actuación en solitario de Daniel en un importante festival en Suecia. Estas imágenes amplían considerablemente el campo de alcance al mostrar la impresionante acogida internacional del público a Daniel Johnston.

La historia de Daniel Johnston es una historia multidisciplinar llena de esperanza, traición, belleza, elementos grotescos, dolor y amor. The Devil and Daniel Johnston es, en definitiva, una historia muy completa y convincente sobre un artista muy singular.

fuente: FilaSiete

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Ben webster in Europe de Johan Van der Keuke

Tocar el cine como se toca el saxo. Fue el crítico Serge Daney el que mejor supo conceptualizar la vibrante libertad del cine de Johan van der Keuken, quien pronto comprendió que al careo con lo real, a la cita ante el Otro, no se podía acudir con apriorismos o rígidas recetas, sino con humildad y una buena dosis de valentía. Así, el holandés, en su materialista confección de formas pensantes, equilibró en la práctica cinematográfica la importancia de imagen y sonido, bandas aquí muy erógenas, que responden al menor de los estímulos del exterior: existe una estructura, una melodía, una horizontalidad presta a abandonarse por un impulso vertical, por una furia dialéctica, para, luego, quedar retomada a la espera del próximo decurso. Decurso y excurso: con su ya frágil ya brutal frotamiento pretende van der Keuken salvar, en la medida de lo posible, la distancia entre el hombre de la cámara y el hombre ante la cámara. Este cine jazzístico, fragmentario, que se expande y se contrae, se hizo explícito mediante el vínculo creativo entre Keuken y el músico Willem Breuker, pero podría tener un primer padre en el Ben Webster al que el cineasta retratara en un precioso mediometraje que documenta la estancia del músico en Ámsterdam.

Si en su última película, The long holiday (2000), van der Keuken vinculaba el periodo de asueto y viaje a su anunciado fallecimiento (esas “vacaciones prolongadas” a las que hace referencia el título francés del filme subraya mejor esta intención) a causa de un cáncer, al pequeño filme llamado Big Ben/Ben Webster in Europe (1967), bien se le podía haber llamado Las vacaciones de un jazzman. Webster, el rana, el bruto, salió a trotar el mundo, espoleado por la muerte de los suyos (la madre y la abuela), y aquí aparece varado, a la espera de lo irremediable –que no tardaría en llegar– en una Europa que lo había acogido con calor y disimulo. En el arranque de su carrera, van der Keuken empezó a ensayar el retrato de niños, primero al ciego Herman, en Blind Kind (1964), luego a la pequeña Beppie, en el filme homónimo de 1965. Dos pequeños que le enseñaron que el Otro puede ser algo más que el objeto de un filme, que éste luce más intensamente (ahí donde las palabras fallan) cuando ese Otro se hace con las riendas del mismo, inscribiendo una subjetividad que compite con la del cineasta. Y dos años después de Beppie, van der Keuken se las vio con otro niño, éste grande, el Ben Webster al que una casera, Mrs. Hartlooper, adopta y mima en Ámsterdam mientras toca el saxo tenor, filma gatos o juega al billar con sus amigos. Si la joven Beppie era “amable y malvada como un simio”, el gran Ben se asemeja a uno de los hipopótamos a los que visita periódicamente en el zoo de la ciudad, en uno de los rituales que lo hicieron famoso entre los vecinos. Webster, la memoria del jazz, el hombre que aprendió tocando con los mejores y en las mejores big bandspara luego labrarse el camino en solitario, sopla con inefable melancolía, aunque la afabilidad no le quepa en el cuerpo y la regale a todo el que se acerque. De este hombre en retirada, van der Keuken pudo aprender para el futuro militante, para cuando se especializase, como resumiría Daney, en las “miserias ocasionadas por el sistema capitalista mundial y las dolencias que acarrean al cuerpo humano”.

Aquí hay un cuerpo doliente, aunque la herida se presienta lejana y demasiado íntima para hacerla pública; espejo, como apuntábamos, del fin de la inscripción del cuerpo del cineasta en su propia obra, cuando filma para no desaparecer, pues la máquina, de tanto sostenerla a pulso, forma ya parte de su estructura ósea. Van der Keuken terminará su carrera filmando el agua hasta arribar a una abstracción disonante; a Webster también le regala aquí un plano acuático en el que se sobreimpresiona una foto de juventud del músico, una invocación que nos acerca al tiempo en su insondable virtualidad. De todas maneras, van der Keuken, Big Ben y el propio Webster, son poco fúnebres. En su último concierto, en 1973, en la localidad holandesa de Leiden, Webster finalizó la famosa actuación dirigiéndose a la entusiasmada audiencia en estos términos: “You are young and growing, I am old and going. So have fun while you can”. Dos semanas después de recordar este carpe diem escuchado en la infancia de Kansas City, el rana moría en Ámsterdam.

Alfonso Crespo

fuente: http://www.revistadiscobolo.com/?tag=johan-van-der-keuken

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A day with the Boys de Clu Gulager

Link a la pelicula http://www.youtube.com/watch?v=ircLc82MvJg

A DAY WITH THE BOYS es una cortometraje sorprendente con una factura impecable probablemente incomprendido cuando se exhibió en los 60’s con una clara inclinación experimental.

Un grupo de niños de 10 a 14 años aproximadamente, se dedican a jugar en una región montañosa a las afueras de una gran ciudad. Una tensa e incomprensible atmósfera es presentada por una banda sonora hipnotizante. frecuentes subtítulos en la pantalla con la hora del día se nos presentan como registro del tiempo transcurrido, como si fuera una especie de cuenta regresiva.

Los niños se encargan de jugar como cualquier otro niño lo haría y se nos presenta con una dirección que hace uso de todo un lenguaje y estética notable, pronto los niños se encuentran con un señor al que le piden que juegue con ellos, este señor se limita a ver su reloj y a aceptar la invitación, entre juegos y risas el grupo se adentra a una zona boscosa donde la el señor es arrojado a una tumba para ser sepultado vivo para así terminar con este juego de niños. al final se nos presentan otras tres tumbas para descubrir que esto es juego de todos los días.

A DAY WITH THE BOYS es un cortometraje crudo, fuerte, es un corto que abrio el festival de Cannes en 1970 como una visión artística del cine. sin duda uno de los cortos que más he disfrutado en mucho tiempo.
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Sherman's March de Ross McElwee


No muchos cineastas podrían hacer un diario filmado de su vida amorosa, no. (Y gracias a Dios no muchos lo intentan.) y menos agregan una frase como "una meditación sobre la posibilidad del amor romántico en el sur durante la era de la proliferación de armas nucleares", Ross McElwee, no sólo nos mantiene interesados y divertidos por sus frustraciones románticas, lo hace cerca de dos horas y cuarenta minutos, mucho más allá del momento en el que este tipo de películas hacen que la audiencia corra a la salida más cercana.

cabe mencionar que según Internet McElwee no se propuso hacer tan egocéntrica película (a la vez reflejo patético de si mismo). el cineasta, nacido en Carolina del Sur, recibió una beca para hacer una película sobre un tema que personalmente le intrigaba: la historia y los efectos persistentes de la marcha del general Sherman al final de la Guerra Civil, considerada la primer guerra moderna donde el ataque se centra en la población civil. McElwee estaba particularmente interesado en los aspectos trágicos de Sherman, un personaje del norte que amaba el Sur. Sin embargo, antes del inicio de la filmación, su novia lo dejó para volver a su ex novio. Deprimido McElwee va a visitar a su familia en Charlotte, Cuando su hermana le dice que una ex novia está en la ciudad para hacer un desfile de moda, va a su encuentro con su cámara.

a travez de la película McElwee no deja la cámara en ningún momento del viaje y así pasara toda una serie de anécdotas. En las noches sin dormir, se vuelve la cámara sobre sí mismo para hablar de su obsesión con la guerra nuclear, que persigue sus sueños cuando se agita su vida personal. Durante un año, que oscila entre el trabajo en la película Sherman y la construcción, renovación de las relaciones con las mujeres que conoce o ha conocido a través de los años.

Siempre he pensado que cuando un cineasta se pone frente a la cámara que esta dirigiendo (en un documental) este se vuelve un reflejo egocéntrico y banal. hemos visto varias películas en el curso que me demuestran lo contrario, me ensañan que puede haber todo un discurso y que este puede llegar a ser muy profundo pero este documental en particular me pareció que el director giro la cámara a el en un acto patético aunque no puedo negar que es algo divertido y un ejercicio interesante.

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Jollies de Sadie Benning

Sadie Benning nació en la ciudad de Madison, Wisconsin en el año 1973 en el seno de una famila dedicada al arte. Su padre James Benning, fue una cineaste vanguardista y su madre una artista. A la edad de 15 años, su padre le regaló una cámara de video, una Fisher-Price, algo que no la impresionó de inmediato. Sadie abrió su regalo luego de año nuevo y a partir de ahí no dejó el cine jamás. Comenzó realizando cortometrajes caseros en su propia habitación. Un par de años más tarde saldría del armario y se definiría como lesbiana. Muchas de sus historias tienen que ver justamente con ese hecho, son historias relativas a sus propias experiencias como lesbiana adolescente. Una de sus primeras películas Jollies (1990) esa una compleja descripción de sus despertar sexual. Pronto las películas que hizo con esa cámara una Pixelvision, que es una cámara de video de juguete, comenzaron a hacerse populares, y comenzó a utilizarse el término "Pixelvision" para sus videos. Sadie está considerada una de las pioneras del Pixelvision. A los veinte años ya estaba exponiendo sus videos en el MOMA.

A la edad de 27, Sadie comenzó a incursionar también en la música. Formó una banda que se llama Le Tigre, junto a Kathleen Hanna, quien fuera a su vez miembro de Bikini Kill, integró además a Johanna Fateman, una escritora de revistas. Sacaron su primer album en Febrero de 1999. Tiempo después Sadie dejó la banda para dedicarse más de lleno al cine.


jollies
opens with a tale of first love: “Like most people I had a crush. It started in 1978 when I was in Kindergarten. They were twins and I was a tomboy.” This tale of first love begins ordinarily enough but concludes, not only with her confession of a crush on twin girls, but also with the identification of herself as a tomboy. She goes on to narrate her experimentation with boys, but the language she uses and the scenes she depicts have a sense of the grotesque and the unnatural, as in her description of an experience she had with a boy when she was just twelve: “So I got naked with this guy. He was my boyfriend. We were in a room full of birds. I was twelve and he was sixteen. So he got up, I got dressed, and he jacked off in the bathroom.” It is after this experience, Benning notes, that she starts kissing girls. In this somewhat roundabout way she demonstrates the naturalness of her feelings for girls, defending against charges that what she feels for girls is somehow unnatural or abnormal, and a charge many lesbians face when they first come out. Narrating her experiences to a background of asynchronous sounds and information including the local weather report and daytime soap operas, the mundane conditions further highlight her own sense of difference from social norms, yet also provides contextualisation for her emerging queer identity. That while she may feel different, strange, and out of touch, the world responds by continuing to turn on its own oblivious and self-absorbed axis.

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Blind Child de Johan Van der Keuke

As we watch the first images of Blind Child -- of activities that require you to keep both eyes wide open -- the screen continually goes black. During these blackouts, children's voices tell us about their place in this visually-oriented world. It turns out that these are the voices of blind children who cannot see what has been filmed. Blind Child deals with the relative nature of our observations. This short film is part of a series about children made by Johan van der Keuken in the 1960s. The film imposes the children's perspective on the audience, doing so in a distant, observational manner while its energetic camera films exclusively in black-and-white. The film opens with a look at life inside the Institute for the Blind in the Dutch town of Huizen -- a safe environment in which the children can play sports, read Braille, and learn to use a guide dog. ThenBlind Child takes us outside the confines of the school and we watch the children as they move through traffic, with all the dangers and obstacles this entails. In between the lines, we see how the blind experience the bustle of the city very differently but no less intensely, using their sticks to amazing effect. In spite of its sober form, this is a highly moving film, particularly in those scenes in which Van der Keuken evokes the classic "it's behind you!" response.


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Capturing The Friedmans de Eugene Jarecki

Link a la película: http://www.movshare.net/video/w5gstkh9k2h62

En 1987 Arnold Friedman, un profesor de secundaria y su hijo Jessie de 18 años fueron arrestados bajo cargos de abuso sexual y violación contra niños y jóvenes a los que enseñaban clases de computación en el sótano de su casa. El documental Capturing the Friedmans es un reflejo sombrío y preocupante de la familia Friedman (Arnold, sus hijos David, Jessie, Seth y su madre Elaine), que nos obliga a tamizar a través de la evidencia ambigua a determinar por nosotros mismos la cuestión de su culpabilidad o inocencia. "Es una combinación de distintas versiones de historias diferentes" explica Andrew Jarecki, historias y versiones que se reunieron gracias a los videos filmados por el hijo mayor de David, las noticias, fotos, y material original se convirtieron en Capturing the Friedmans

El documental fue concebido por el Sr. Jarecki después de trabajar en un artículo sobre "Silly Billy" (David Friedman), el payaso de cumpleaños número uno en Nueva York.

La primera visión que tenemos es un video de la familia feliz, divirtiéndose en la playa. cuando la revelación de que Arnold recoge las revistas de pornografía infantil se presenta en pantalla. Los antiguos alumnos son perseguidos y entrevistados, Arnold y su hijo Jessie son acusados de cometer actos de relaciones sexuales con sus alumnos. Escuchando al Departamento de Policía, se podría concluir que son culpables, pero a medida que avanza la película plantea dudas sobre la validez de esta conclusión.

Se nos dice que había una falta total de evidencia física, que los testigos pueden haber sido manipulados y posiblemente obligados a dar información además de que algunos estudiantes o sus padres se negaron a hablar. pero si algo de todo esto es real, ¿por qué no todos los niños hablaron? ¿Por qué volver a inscribirse para el curso avanzado? Todo el mundo es convincente en la cámara, pero nos queda la duda en la cabeza sobre qué es fantasía y qué es la verdad. Tanto Arnold y Jessie sostienen su inocencia, Aunque Arnold recibió una sentencia de cadena perpetua y Jessie fue puesto en libertad tras cumplir 13 de su sentencia de 18 años, es probable que fueran totalmente inocentes, completamente culpables.

Capturing the Friedmans es un asalto a la expectativa de la verdad. Esperamos que durante la película el caso se desarrolle con una clara identificación de los perpetradores y las víctimas, que una revelación aclare lo sucedido pero nuestros deseos no se cumplen. Estamos atormentados, la pieza que le falta al rompecabezas nunca aparece. A pesar de que nunca se podrá saber acerca de Arnold o la culpabilidad o inocencia de Jessie, Para la familia Friedman, el legado de este fracaso es una vida estigmatizada y dolorosos recuerdos que permanecerán para siempre.

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Tarnation de Jonathan Caouette

Link a la pelicula: http://www.megavideo.com/?v=ZVRH6M90

Se trata de una obra cinematográfica única y creativa en la Jonathan Caouette demuestra ser alguien talentoso para narrar con pocos recursos. Tiene momentos fascinantes como las películas que hizo de si mismo cuando tenia tan solo 11 años en las cuales representa a diferentes personajes. Sin embargo donde comenzó y donde terminó son dos cosas totalmente diferentes. Lo que comenzó como un film original y espontáneo termino como algo organizado y talvez en cierto modo artificial. Y algo que es impactante es el manejo que le da Caouette a su propia familia.

A pesar de que en primera instancia parece ser un documental sobre la madre de Caouettte, el tema central de la película es él, ella es sólo una historia que se vuelve un simple apoyo en su autorretrato y que aparece, va y viene. Pero es una falsa impresión ella nada mas representa el miedo de Caouette de terminar desquiciado. Esto es una película totalmente egocéntrica de Jonathan Caouette acerca de Jonathan Caouette. debo decir que este egocentrismo resulto en un sin fin de valioso material documental en el cual la película esta basada, esta manía de grabarse a si mismo constituye una especie de confesionario posmoderno.

Lo interesante de este documental es que fue hecho en el sencillo programa de edición que viene con las computadoras mac, i-movie, costándole a Caouette solo 218 dólares, y con una duración de 2.40 horas. Pero después de que varios inversionistas se interesaran en el proyecto acabo costando 400 mil dólares por los derechos musicales y la publicidad.

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domingo, 29 de noviembre de 2009

The filth and the Fury - Julian Temple


En su documental, Filth and The Fury, Julien Temple narra el ascenso y la caída de la legendaria banda de punk rock Sex Pistols. Temple estructura la pelicula a través de historias que le dieron los Sex Pistols que aún viven, como el lado opuesto a su otra película de Sex Pistols, Great Rock and Roll Swindle, que fue contada por el manager de la banda, Malcolm McLaren.

Temple utiliza entrevistas con los miembros del grupo para contar la historia de los Sex Pistols y se entrelaza con imágenes en directo de conciertos de la banda y una entrevista grabada con Sid Vicious, filmada antes de su muerte. nos enseñan la formación de la banda, Agrupándose con McLaren, Despidiendo a Glen Matlock, reemplazándolo por Vicious, sus problemas en el Reino Unido y los Estados Unidos, y el final tan extremo de la banda debido a la adicción a la heroína de Vicious.

El documental en realidad se metió dentro de los Sex Pistols y mostraba un lado más humano de la banda. Mientras que la banda pretende a menudo ser un grupo de alborotadores, enojados, los niños de punk rock, el documental muestra una faceta diferente a ellos.

Un Video muestra a la banda durante un programa infantil de beneficencia y los miembros del grupo se ven jugando y hablando con los niños y sus grandes sonrisas en el rostro, su evidente alegría por estar en el evento.

Johnny Rotten, también gasta una gran cantidad de tiempo al final de la película discutiendo sobre la adicción a la heroína de Vicious y su culpabilidad por no poder ayudar a su amigo antes de que fuera demasiado tarde. Me gustó mucho el material en vivo de los Sex Pistols ya que mostraba a la banda en su elemento y también hizo mucho para mostrar lo que el escenario era cuando los pistols estaban ahí, Las imágenes muestran a los Sex Pistols en un programa de la televisión británica y los clips de artículos de prensa para mostrar la imagen de la banda ante los ojos de los medios de comunicación.

Creo que la película ha hecho un buen trabajo de capturar la imagen que los Sex Pistols nos mostraban, mientras que también contrasta con las imágenes más humanas de ellos

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